REPRESENTANTES DEL RENACIMIENTO

REPRESENTANTES DEL RENACIMIENTO

ARQUITECTURA

BRUNELLESCHI FILIPO

Biografía

Nació el 15 de abril de 1377 en Florencia, donde recibió formación como orfebre.

En el año 1401 participó en el concurso para el diseño de las puertas de bronce del baptisterio de su ciudad, pero no resultó elegido. 

Se dedica a la arquitectura, y en 1418 recibió el encargo de construir la cúpula inacabada del Duomo, la catedral gótica de Florencia. Su proyecto consistía en la superposición de dos bóvedas esquifadas octogonales, una dentro de otra. Gracias a esta disposición, los esfuerzos quedaban repartidos junto con una ligereza excepcional, y se convirtió en el modelo constructivo de cúpula durante varios siglos. Su estructura inicial contaba con ocho nervios que sirven de apoyo para el resto de los elementos decorativos.

Desarrolló otros edificios florentinos, como la iglesia de San Lorenzo (1418-1428) y el Hospital de los Inocentes (1421-1455). Al final de su carrera, proyecta edificios como la inacabada iglesia de Santa María degli Angeli (comenzada en 1434), la basílica del Santo Spirito (comenzada en 1436) y la Capilla Pazzi (comenzada en 1441). Falleció en Florencia el 16 de abril de 1446.

BASÍLICA DE SAN LORENZO

La Basílica de San Lorenzo es una basílica italiana de culto católico de la ciudad de Florencia, ubicada en la Plaza de San Lorenzo. Su construcción fue encargada por Cosme de Médici al arquitecto Filippo Brunelleschi quien trabajo en su construcción desde 1422 hasta 1470, fecha en la que asumió su construcción Antonio Manetti; debido a la muerte del anterior.

ANALISIS

Está inspirada en la Basílica de la Santa Cruz que es una iglesia gótica. Está dividida en tres naves y capillas laterales. En el centro del crucero hay una cúpula y este está rodeado por capillas. Frente al centro del crucero ya que esta es la capilla mayor.

Su planta es de cruz latina con tres naves y capillas laterales, casi basilical, extremadamente longitudinal, en cuyo crucero, de desarrollo escaso, se dispuso una cúpula con linterna. El espacio quedó matemática y geométricamente modulado por el círculo inscrito en un cuadrado, que actuó como medida de las proporciones con referencia siempre a la figura humana. Se emplearon elementos arquitectónicos muy armoniosos, que citan el mundo clásico a través de la influencia de las primitivas basílicas cristianas, como, por ejemplo, la techumbre de artesonado con casetones cuadrados en la nave central, el entablamento corrido y los ricos capiteles corintios sobre columnas monolíticas en esa nave central y sobre pilastras en las laterales. Brunelleschi empleó un ritmo arquitectónico peculiar en la nave central que se inicia en la columna como soporte, un trozo de entablamento decorado sobre el capitel compuesto y el arco acanalado encima de él. Utilizó bóvedas vaídas en las naves laterales. Este arquitecto jugó además con la alternancia del colorido para lograr el dicromatismo propio de la arquitectura tradicional florentina. El módulo es el cuadrado central que inscribe la cúpula y es igual en medida al de la capilla central. Cada tramo de la nave central es la mitad del módulo y un cuarto de módulo cada tramo de la nave lateral.

La luz proviene de las ventanas. Las bóvedas son vaídas en la nave lateral y los óculos hacen que la luz aparezca más tenue. Las capillas son oscuras. En conclusión, la gradación luminosa acentúa la perspectiva.

El techo tiene casetones copiados del Panteón de Agripa.

LEÓN ALBERTI

Biografía:

1404 Nace en Génova el 14 de febrero.

Hijo de Lorenzo Alberti, comerciante y banquero ricos.

Recibió esmerada educación en la escuela de Barsizia (Padua) y  en la Universidad de Bolonia.

1432 viajó a Roma y fue nombrado secretario del papa Eugenio IV y estudió los monumentos de la antigüedad clásica. En 1434 Se incorporó a la corte papal en Florencia.

Escribió tratados  teóricos por los que hoy conocemos su pensamiento artístico. Los más importantes son Della Pittura (1436) y De Re Aedificatoria  (1453).

1.     TEMPLO MALATESIANO

Llamado así por el templo de la familia Malatesta, es la Catedral de Remmi.

Inició la construcción entre 1447 y 1449.

En 1450, Segismundo Malatesta lo llama y le solicita que vaya a Rímini. El objetivo es transformar la iglesia de San Francisco en un templo cristiano a mayor gloria suya y de su familia. A la muerte del señor el templo permaneció inacabado en la parte superior de la portada, en la parte izquierda y en la tribuna.

Alberti creó, para integrar la antigua iglesia, para no estropearla, un muro inspirado en modelos romanos, pero también en parte tomando modelos gótico-venecianos, elevándolo sobre una tarima, siguiendo el modelo de los templos griegos. Para la fachada utilizó la forma de un arco de triunfo que encuadraba la puerta central, que había tomado del arco de Rímini, situando en los lados dos arcos menores que tendrían que haber enmarcado los sepulcros de Segismundo e Isotta, su mujer; en la parte superior de la fachada, la parte central debía realzarse y acabarse en forma semicircular, junto a dos volutas semicirculares. En los lados estaba prevista teóricamente una columnata, inspirada en los acueductos romanos. 

DONATO BRAMANTE

Arquitecto italiano, el más influyente del alto renacimiento. Nació el año 1444 en Monte Andruvaldo, cerca de Urbino, y su nombre auténtico era Donato di Pascussio d Antonio. Al principio se formó como pintor, y de su obra más temprana se conservan los frescos de la fachada del Palacio del Podestà en Bérgamo, realizados en el año 1477. En 1482 se instaló en Milán y comenzó su carrera como arquitecto. En su proyecto para la iglesia de Santa María presso San Satiro (1488, Milán) consiguió resolver las dificultades que presentaba el solar utilizando, por primera vez en la arquitectura, un juego perspectivo o trampantojo en las pinturas del presbiterio fingido, que falsea las proporciones de la iglesia y procura una sensación de profundidad insólita. El resto de sus obras en Milán, como el ábside de Santa María delle Grazie (1492-1495), muestran la influencia de Leon Battista Alberti y del renacimiento florentino, pero sobre todo la de Leonardo da Vinci, del que tomó las plantas centralizadas rescatadas de la antigüedad como modelos ideales para el nuevo clasicismo humanista. Con la caída del duque Ludovico Sforza en 1499 Bramante, huyó a Roma, donde trabajó casi en exclusiva a las órdenes de su nuevo mecenas, el ambicioso papa Julio II. En la ciudad eterna, rodeado por las ruinas del antiguo Imperio, evolucionó hacia un estilo más monumental y austero. Una de sus primeras obras romanas es el Tempietto de San Pietro in Montorio (1502), un pequeño templo circular cubierto por una cúpula semiesférica, quizá inspirado en el desaparecido Templo de la Sibila, en Tívoli. Esta obra, con sus superficies desprovistas de ornamentos, representa el momento culminante de la arquitectura del renacimiento, y en ella Bramante se acerca como nadie al espíritu clásico, combinando los ideales romanos de severitas y dignitas (austeridad y decoro) con la elegancia y la vitalidad del cinquecento italiano. Los dos grandes proyectos que ocuparon el resto de su actividad creativa, y que desgraciadamente no se llevaron a cabo, fueron la reconstrucción de la basílica de San Pedro y el plan para los palacios del Vaticano. 

SANTA MARÍA DELLE GRACIE

ANDREA PALLADIO

Arquitecto italiano del renacimiento tardío, uno de los más importantes de la historia de la arquitectura occidental. Nació en Padua el 30 de noviembre de 1508 y comenzó su formación como simple cantero. Su nombre auténtico era Andrea di Pietro dalla Gondola, pero cambió su apellido por el de Palladio (en honor a Pallas, diosa griega de la sabiduría) a partir de la tutela del poeta Giangiorgio Trissino, que supervisó sus estudios de arquitectura. Trissino le llevó a Roma, donde Palladio analizó las ruinas clásicas y estudió a fondo los tratados de Vitrubio, el único legado teórico de la arquitectura romana. El fruto de sus investigaciones fue la publicación del libro Le Antichità di Roma (1554), considerado durante más de dos siglos como la mejor guía sobre las ruinas de la ciudad eterna. Una de sus primeras obras de gran envergadura fue la transformación (comenzada en 1549) del recinto exterior del Palazzo dalla Ragione o Basílica, el ayuntamiento de Vicenza. En esta ciudad y sus alrededores construyó numerosos edificios residenciales y públicos. Entre ellos destacan los palacios Chiericatti, Thiene y Valmarana, y las villas Badoer, Barbaro (en Maser), Emo, La Rotonda y Villa Foscari, en Malcontenta di Mira. Entre 1560 y 1580 también construyó varias iglesias en Venecia, entre las que sobresalen San Francesco della Vigna, San Giorgio Maggiore e Il Redentore. Su última gran obra fue el teatro olímpico de Vicenza, que finalizó Vincenzo Scamozzi después de su muerte. Aunque su estilo arquitectónico tiene sus antecedentes inmediatos en la obra de los maestros del alto renacimiento, como Donato Bramante (que a su vez se inspiró en la tradición constructiva de la antigua Roma), Palladio siempre cultivó una interpretación propia de los motivos romanos, derivada del estudio directo de la arquitectura antigua. Combinó libremente muchos de los elementos del lenguaje clásico, de acuerdo con las exigencias del emplazamiento o de las necesidades funcionales de cada edificio y en este sentido se le puede considerar como un arquitecto manierista. 

Palazzo della Ragione (Basílica Palladiana) (1549)

PINTURA

MASACCIO

Tommaso di ser di Giovanni di Mone Cassai; San Giovanni Valdarno, actual Italia, 1401 - Roma, 1428. 

Masaccio se trasladó a Florencia cuando aún era muy joven, y en 1422 figuraba inscrito en el gremio de pintores de esta ciudad. Nada se sabe de lo que hizo hasta entonces y con quién se formó. Se le vinculaba tradicionalmente con el taller de Masolino, pero en la actualidad se cree que no fue en él donde se formó, sino que se incorporó como colaborador ya formado.

Su primera obra documentada, el tríptico de San Juvenal (1422), es una creación que supera plenamente el gótico. En el posterior políptico para el Carmine de Pisa (1426), la composición a base de pocas figuras esenciales y la plasmación natural de la luz definen su estilo característico, que se despliega plenamente en su obra maestra: el ciclo de frescos sobre la vida de San Pedro y la expulsión del Paraíso, que pintó para la capilla Brancacci de Santa Maria del Carmine, en Florencia, en colaboración con Masolino.

Crocefissione

Análisis de la obra

Esta obra fue pintada por Massacio conservada en el museo de Capodimonete de Napoles en Italia, es una pintura que representa la escena de la crucifixión de Jesús, como en el evangelio de Juan, en primer plano se encuentra Jesús crucificado esta con la corona de espinos, sus brazos están totalmente abiertos por lo que le crucificaron en la cruz, su cabeza está un poco inclinada se puede ver en su rostro el dolor tan grade que siente todo su cuerpo está haciendo desvalido, su pierna derecha está sobre la pierna izquierda, en el cuerpo de Jesús se ha aplicado sombras que le dan perspectiva a el cuerpo la virgen está al lado derecho de Jesús  tiene sus manos juntas y su mirada está fija a su hijo mientras que ene l medio esta de rodillas María magdalena con los brazos abiertos, en el lado izquierdo de Jesús esta otra persona muy afligida con las manos juntas  tiene los pies descalzos, se puede ver en los tres rostros la tristeza muy realista, el fondo de esta pintura es de color oro ya que significa divinidad y tiene los 4 la aureola sobre la cabeza 

PAOLO UCELLO

Pintor renacentista italiano cuyo verdadero nombre era Paolo di Dono, destacado por sus innovaciones en el uso de escorzos y de la perspectiva lineal. Nació en Florencia y recibió su primera formación del artista florentino Lorenzo Ghiberti. En 1425 marchó a Venecia para diseñar los mosaicos de la fachada de San Marcos. De nuevo en Florencia, en 1436 pinta el fresco del condottiero inglés sir John Hawkwood para la catedral de Florencia, donde triunfa su ansia de volumen y monumentalidad. En torno al año 1444 realiza una serie de vidrieras para la catedral, una de las cuales, La Resurrección, se conserva todavía en su lugar originario. También se conservan fragmentos de sus frescos en el claustro de Santa María Novella, en Florencia, que datan de 1447 y representan la creación y el diluvio universal. Sus obras más famosas son sin duda las tres versiones que realiza de la Batalla de San Romano (Uffizi, Florencia; Louvre, París; National Gallery, Londres), a fines de la década de 1440. En ellas destaca la figura monumental del caballo, visto en los más violentos escorzos. Por otro lado, éstas y otras obras como La cacería (1468, Ashmolean Museum, Oxford) reflejan su perfecto dominio de la perspectiva y un cierto sentido decorativo en sus composiciones. 

SAN JORGE Y EL DRAGON

Primera versión: (arriba) National Gallery, Londres

57x73 cm.

Segunda versión:(abajo) Musée Jacaquemart-André, Paris.

52x90 cm.

Las dos versiones del tema SAN JORGE Y EL DRAGON pintadas por Ucello presentan evidentes puntos de contacto. Sin embargo, se aprecia en la segunda un orden espacial consiguiente a la introducción del paisaje de fondo que en la primera no existe. Así mismo la segunda versión posee un carácter más naturalista que la primera, incluso desde un punto de vista cromático. Las tonalidades intermedias, como rosas y malvas del traje de la princesa o de la caverna, que aparecen en la primera de las obras dan por resultado que esta sea más imaginativa y se atenga menos a la realidad que la plasmación en colores rojos y ocres de esos mismos elementos de la pintura de París.

FRAY ANGELICO

Guido o Guidolino di Pietro nació en torno al año 1400 cerca de Vicchio, en Mugello, su vida se desenvuelve en dos ambientes distintos y complementarios: el conventual y el artístico. Fue un pintor italiano del renacimiento temprano. En 1407 ingresó en el convento dominico de Fiesole. Entre 1409 y 1418 estuvo exiliado junto con el resto de la comunidad, por su oposición al papa Alejandro V. En el año 1438 empezó a pintar el convento de San Marcos, en Florencia. En 1447 fue a Roma, donde inició la decoración mural de la capilla de Nicolás V, en el Vaticano. 

Prior del convento de Fiesole entre 1448 y 1450, siguió trabajando en Roma y Florencia. Se cree que inicialmente fue discípulo de Lorenzo Mónaco, cultivador del estilo gótico internacional. Desde ese punto de partida añadió a su lenguaje pictórico las aportaciones de Masaccio, enriquecidas con un hallazgo genial: el uso de la luz con una intención no naturalista, sino estética y expresada a través de un uso inteligente del color. Su pintura es sobre todo religiosa y está dominada por un espíritu contemplativo. Concibe la pintura como una especie de oración. Fray Angélico falleció en Roma el 18 de febrero de 1455.

LA ANUNCIACIÓN 

Es una pintura sobre tabla que muestra su preocupación por plasmar la arquitectura renacentista. También pinta un paisaje con la escena del Paraíso en que Adán y Eva salen vestidos (influencia medieval). Esta pintura muestra un gran cuidado por parte del autor del tratamiento de la luz.

SANDRO BOTICELLI

Alejandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli nació, entre marzo 1444 et marzo 1445, en Florencia en la clase trabajadora rione en el arrabal de Ognissanti en Florencia, donde su padre era curtidor. Muere en mayo de 1510 en la casa de la Vía de la Porcelana donde habrá trabajado toda la vida, sin nunca haberse casado y tampoco haber tenido hijos.
Botticelli es un apodo sin que se sepa si recibió el apodo por su gordura o por gran bebedor; otras fuentes indican que era su hermano mayor Antonio el que tenía este mote. Al alcanzar los quince anos, Botticelli ingresa, como aprendiz, en el taller de Fra Filipo Lippi (1406-1469), monje y pintor de Florencia, autor de pinturas religiosas, donde recibe una formación en cuento a la síntesis entre el nuevo control de formas tridimensionales, la delicadeza expresiva en los rostros y los gestos, los detalles decorativos y un estilo íntimo. En este taller trabaja con los pintores Antonio del Pollaiuolo y Andrea del Verrocchio y hace el aprendizaje de la orfebrería, del grabado y de la cinceladura, lo que influirá la línea de su dibujo. Botticelli trabaja mucho con los artesanos en particular con su hermano, orfebre, con él cual comparte el taller. A partir de 1481, Botticelli está llamado a Roma por el papa Sixto IV para decorar la Capilla Sextina, con tres otros grandes pintores. 

NACIMIENTO DE VENUS 1484-1486

AUTOR: SANDRO BOTTICELLI

AÑO: 1484-1486

ESTILO ARTÍSTICO: RENACIMIENTO ITALIANO

TÉCNICA: PINTURA AL TEMPLE SOBRE TELA

SOPORTE: 172.50CM X 278.50CM

GÉNERO: PINTURA MITOLÓGICA

LUGAR: GALERÍA DE LOS UFFIZI, FLORENCIA.

La composición de este cuadro, a simple vista, es piramidal, los tres elementos del primer plano están dispuestos de tal forma que entre ellos se genera un triángulo visual, los elementos de los extremos, generan una tensión hacia el punto central de la composición que también es el centro del espacio.

Debería de percibirse una  composición estática al tener un elemento en el centro del cuadro, sin embargo, la ligera inclinación de la forma hacia el lado izquierdo del cuadro, hace vacilar lo expuesto anteriormente, siendo el punto de inflexión que hace de este cuadro un espacio lleno de movimiento.

Haciendo hincapié en la inclinación de ese “triangulo visual”, ese ligero desplazamiento, siendo más exhaustivos en la contemplación, se observa una  división y distribución aurea del espacio, generándose el famoso espiral de Fibonacci, es gracias a este aporte matemático aplicado en la geometría oculta que el cuadro se dota de movimiento y dinamismo.

La curva es el movimiento principal. Las formas contorneadas de los cuerpos en contraposto, los cabellos ondeantes, y el gran concierto de caprichosos pliegues indican la presencia constante del viento circundante.

Las formas están firmemente remarcadas por la fuerte línea de contorno, dando la sensación visual de estar desintegradas del fondo, generándose así dos planos de lectura. La luz del cuadro es múltiple,  sutilmente se puede notar que penetra del lado izquierdo del cuadro, y eso lo podemos divisar en el sutil modelado de las formas, claramente se ve en la pierna de la mujer del centro, un exquisito esfumato que genera volumen a la forma. El fondo tiene una luz de ambiente, y los arboles tienen una luz superior

El fondo, ya separado por la línea, insinúa una ligera perspectiva, tanto por la presencia de las olas del mar que se van reduciendo en tamaño, una línea en forma de “v” y  mimetizando con el cielo, y también notar como la tierra, hacia el lado izquierdo del cuadro, va disminuyendo en tamaño y agrisándose hacia atrás.

El lado derecho del temple se visualiza  dos personajes, suspendidos sobre el mar, y hacia el extremo opuesto, el lado izquierdo del cuadro, se revela una mayor cantidad de elementos que condensan el espacio, lo vuelven más pesado. 

ANDREA MANTEGNA

Andrea Mantegna, uno de los más grandes pintores del Quattrocento italiano, vino al mundo en 1431 en una pequeña localidad del Véneto entre Vicenza y Padua. De orígenes humildes, muy pronto quedaría huérfano, siendo criado por su hermano mayor y por Francesco Squarcione, pintor y coleccionista paduano a cuyo taller se incorporaría Andrea cuando tan sólo contaba con 10 años.

De la mano de Squarcione, el joven Mantegna iniciaría su formación clásica gracias a la influencia de su maestro dentro de los círculos humanistas de Padua; por aquel entonces, uno de los centros ilustrados más importantes del Renacimiento del norte de Italia. Allí, además de visitar Venecia, tendría la oportunidad de conocer de primera mano la obra de Donatello, Filippo Lippi y Paolo Uccello.

Con sólo 17 años y de una manera no del todo amistosa, rompería con Francesco Squarcione para establecerse por su cuenta, recibiendo entonces sus primeros encargos que le harían ganar una cierta reputación, lo que le serviría, en uno de sus viajes a Venecia, para unirse en matrimonio con una hija del reconocido pintor Giovanni Bellini.

A mediados de los años cincuenta, fue llamado a la corte de los Gonzaga en Mantua para sustituir a Pisanello como pintor de cámara, dedicando desde entonces la mayor parte de su vida al servicio de los diferentes mandatarios mantovanos que fueron sucediéndose: Ludovico, Federico y, sobre todo, Francesco.

Frescos de la Capilla Ovetari

La primera obra de cierta ambición que le fue encomendada en Padua al jovencísimo Andrea fue la decoración al fresco de los muros de la Capella degli Ovetari, en la Iglesia de los Ermitaños.

Los trabajos se prolongarían unos nueve años (1448.1457) divididos en dos fases debido a un lapso intermedio de tiempo en que Mantegna, por una serie de discrepancias con los comitentes, abandono el proyecto para poco después retomarlo.

LEONARDO DA VINCI

Fecha de nacimiento: 15 de abril de 1452, Vinci, Italia

Fecha de la muerte: 2 de mayo de 1519, Amboise, Francia

Enterrado en: Capilla de Saint-Hubert, Francia

Padres: Piero Fruosino di Antonio da Vinci, 

Caterina da Vinci fue un pintor florentino. Notable polímata del Renacimiento italiano           anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo,ingeniero,

inventor, músico, poeta y urbanista

Mona Lisa o La Gioconda

Es un oleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503y 1513 y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica del autor

 La perspectiva es central, situa el corazón de mona lisa al centro geométrico de la obra

la luz procede de la cumbre y de la izquierda

en cuanto a los colores posee tonalidades calidas en el modelo y frías a la naturaleza

Tres planos sucesivos : El modelo es en primer plano. Hacia abajo un paisaje dividido en 2 partes, un paisaje realista al primer plan luego al segundo plano un paisaje imaginario casi surrealista.

MIGUEL ÁNGEL

(Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia y los diferentes papas romanos.

Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido, y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti. 

Triunfó en todas las artes en las que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnifica la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

Bóveda de la Capilla Sixtina- LA CREACIÓN 

Entre marzo y abril de 1508, el artista recibió de Julio II el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo. Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de arquitecturas. Estas imágenes se convirtieron en el símbolo mismo del arte del Renacimiento.

RAFAEL ZANCIO

Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483 – Roma, 7 de abril de 1520 ), también conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael  fue un pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.

Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas, considerado una de sus obras cumbre. Es célebre por la perfección y gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con Miguel Ángel yLeonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período.

Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplió 37 años.

Crucifixión mond 

Fecha: 1502-03

Museo: National Gallery de Londres

Características: 280,7 x 165,1 cm.

Estilo: Renacimiento Italiano

Material: Oleo sobre tabla

Los colores son brillantes, matizados, de una variación extremadamente conseguida hasta el punto de crear un ritmo interno en el cromatismo que acompaña perfectamente al ritmo de la estructura compositiva. La cruz se presenta en el centro, destacada en altura y monumentalidad, recortada contra un cielo azul profundo levemente matizado en la línea de horizonte por el resplandor del sol. En lo más alto del cielo se han unido el Sol y la Luna, dando un significado sobrenatural a la escena. Dos hermosos ángeles adolescentes recogen la sangre de Cristo en sendos cálices, con posturas gráciles que parecen coreografías de una danza maravillosa. Forman una simetría perfecta, con movimientos opuestos a los que acompañan las líneas arabescas de las cintas de sus vestidos, que parecen remitir a una caligrafía elegante y aristocrática. En el suelo, las santas mujeres miran con adoración la imagen del crucificado, sin los gestos de patetismo y dolor tan frecuentes en el arte flamenco o en el gótico español.

Su composición responde a un esquema simétrico; la cruz divide el espacio en dos zonas verticales que contienen personajes y masas equilibradas. En la parte superior aparecen el sol y la luna y, a ambos lados de Cristo, ángeles que le recogen en cálices la sangre que brota de sus heridas. A nivel del suelo situó el pintor a la Virgen y san Juan y, ante ellos, arrodillados, a san Jerónimo y una santa. Tras los personajes del primer término se extiende un paisaje.

TIZIANO
(Pieve di Cadore, actual Italia, h. 1490-Venecia, 1576) Pintor italiano. Aunque Tiziano alimentó durante los últimos años de su vida la idea de que había nacido en 1475, para hacer creer que era un anciano venerable e inspirar respeto y compasión, la crítica moderna ha establecido casi con total seguridad que nació en 1490 y que murió a una edad más que respetable, con ochenta y seis años. Recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione.

Una de las obras más espectaculares de Tiziano, realizada durante su estancia en la Corte de Urbino. La Venus fue adquirida por Guidobaldo della Rovere, el hijo del duque de Urbino, haciéndose diferentes interpretaciones; se ha considerado como una alegoría nupcial en clave neoplatónica, un retrato de la esposa de Guidobaldo que acababa de abandonar la pubertad o sencillamente el retrato de una conocida cortesana de la ciudad. No tenemos datos fidedignos que avalen ninguna de las hipótesis, lo que motiva desconcierto entre los especialistas. Es la primera ocasión en que Tiziano pinta una figura de Venus, mostrándola en un interior, situada sobre un diván tapizado en rojo cubierto con una sábana blanca. En primer plano, dirige su mirada al espectador con cierta provocación. En su mano derecha porta unas flores mientras que con la izquierda cubre su pubis. Sus rubios cabellos caen sobre sus hombros, creando una figura de evidente clave erótica. Se trataría de una representación real de alguna mujer concreta, de carne y hueso, olvidando imágenes que muestran el ideal de belleza. Al fondo apreciamos la estancia contigua con una ventana que permite ver el cielo y un árbol. Dos jóvenes se afanan en buscar ropas en un arcón, siendo esta escena un precioso complemento a la figura desnuda. Tiziano dirige un potente foco de luz sobre el cuerpo de Venus, otorgando así mayor veracidad al conjunto. La claridad de la carnación y las telas blancas sirven de contraste con la pared sobre la que se recorta la mitad superior de la joven y con la tela del diván. El maestro no ha olvidado la preocupación por la perspectiva, perfectamente creada a través de las baldosas, la columna del fondo y el árbol. Esta Venus es la figura de mayor belleza salida del pincel de Tiziano.

TINTORETTO

Nació en Venecia, República de Venecia, en 1518; era el mayor de 21 hermanos. Pintaba en las paredes de el taller de su padre que era tintorero de ahí que viene su apodo. Tintoretto

En 1550 se casó con Faustina de Vescovi (o, quizá, Episcopi), hija de un noble veneciano y prominente miembro de la Scuola de San Marcos.

Su estilo inicialmente siguió a Tiziano. Evolucionó a partir de 1540, siendo de tendencia manierista más marcada que los otros dos grandes pintores de la escuela veneciana, Tiziano y Veronés. Es un pintor que pinta con pasión, alcanzando en su plenitud su característica audacia, el dinamismo incansable de su composición, su uso dramático de la luz y sus enfáticos efectos de perspectiva, que hacen que parezca un artista barroco adelantado a su tiempo. Para poder expresar con mayor intensidad el sentido dramático de sus obras sacrificó aquella suave belleza de colorido que fue una de las conquistas más grandes de la escuela veneciana de Giorgione y Ticiano.

EL LAVATORIO

Fue pintado entre 1548-1549, encontrándose actualmente expuesto en el Museo del Prado de Madrid, España.

Se representa aquí una escena narrada por el Evangelio de Juan, narra cómo durante la Última Cena, Jesús se levantó de la mesa quitándose el manto y atándose una toalla a la cintura. Después de echar agua en un recipiente, se puso a lavar los pies a sus discípulos. Simón Pedro pretendió negarse, pero al insistir Jesús en que de otro modo no podría tener parte con él, accedió a que le lavase los pies, e incluso las manos y la cabeza. narra cómo durante la Última Cena, Jesús se levantó de la mesa quitándose el manto y atándose una toalla a la cintura. Después de echar agua en un recipiente, se puso a lavar los pies a sus discípulos. Simón Pedro pretendió negarse, pero al insistir Jesús en que de otro modo no podría tener parte con él, accedió a que le lavase los pies, e incluso las manos y la cabeza.

ESCULTURA

DONATELLO

Nacido en Florencia en 1386 en el seno de una humilde familia, -su padre era cardador de lana- desde joven se formó con Ghiberticolaborando en los relieves de las puertas del Baptisterio de San Juan de Florencia. Posteriormente, trabajó conBrunelleschi. Conocedor de la antigüedad clásica, cuya influencia se reflejará a lo largo de su obra, sus inicios están marcados por la escultura gótica. Así, sus primeras obras son las estatuas de San Marcos, San Jorge, San Juan Evangelista y Josué, todas ellas en Florencia. El clasicismo más vigoroso se muestra a partir de 1425, cuando empieza a trabajar con Michelozzo y en la ciudad de Roma, donde esculpe "El entierro de Cristo" y el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro. De nuevo en Florencia realiza su obra más sobresaliente, el David en bronce. 

Después de 1435, su estilo se desliza claramente hacia el realismo y la acción dramática, dando a sus personajes una mayor fuerza expresiva y psicológica. De este período son El Condottiero Gattamelata, "Judith y Holofernes" y "Los milagros de San Antonio". La expresividad de su obra en esta época sentará escuela no sólo entre los escultores posteriores sino también entre pintores, como Mantegna. Donatello falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466.

DAVID

ANDREA VERROCCHIO

Nació en Florencia en 1435. 
Trabajó como orfebre en el taller de Giuliano Verrocchio, de quien tomó el sobrenombre, también como escultor con Donatello, y como pintor conAlesso Baldovinetti. Fue director de una academia en Florencia que llegó a convertirse en el principal centro de arte de la ciudad. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi yPeruggino. 
Autor del monumento ecuestre de bronce ubicado en el Campo dei Santi Giovanni e Paolo enVenecia. Sólo pudo hacer el modelo en arcilla de esta estatua, terminada tras su muerte por el escultor veneciano Alessandro Leopardi. Otras esculturas en bronce son el David (1470-1472, Museo Nacional del Barguello, Florencia) y Amorcillo con un delfín (c. 1476, para la fuente del patio del Palacio Vecchio, Florencia). Entre sus principales cuadros están Bautismo de Cristo(1470, Uffizi, Florencia) y numerosas versiones de la Virgen con el niño (National Gallery de Washington y Metropolitan Museum de Nueva York). 
Verrocchio falleció el 7 de octubre de 1488 en Venecia. 

BARTOLOMÉ COLLEON

LUCA DELLA ROBBIA

Alessandro di Moriano di Vanni Filipepi, Sandro Botticelli(1445, Florencia, 1510, Florencia). Se cree que podría haber heredado el nombre de Botticelli por su hermano mayor, un batidor de oro apodado “botticello”, que fue el encargado de educarlo. Pintor italiano considerado uno de los genios más sobresalientes de la historia del arte occidental. Comenzó su carrera pictórica bajo las órdenes de Filippo Lippi y al parecer trabajó durante un tiempo con Leonardo en el taller de Il Verrocchio. Recibió también la influencia de Piero Pollaiuolo cuando hacia 1470 pintó junto a él el grupo de Las Virtudes (Museo degli Uffizi), siendo la representación de la Fortaleza la realizada por Sandro Botticelli.

VIRGEN CON EL NIÑO

GEOVANNI BELLINI

Giovanni Bellini, también conocido por su apodo Giambellino (Venecia, h. 1433 - Venecia, 26 de noviembre de 15161 ) fue unpintor cuatrocentista italiano. Probablemente sea el miembro más conocido de una familia de pintores venecianos que incluyó a su padre Jacopo, su hermano Gentile y su cuñado Andrea Mantegna. Está considerado como un artista que revolucionó lapintura veneciana, haciéndola progresar hacia un estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de pintura al óleo clara y de secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso colorido y los paisajes fluidos y con atmósfera tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.

SACRA CONVERSACIÓN

GIORGIONE

Giorgio Barbarelli da Castelfranco más conocido como Giorgione, (Castelfranco Véneto, h. 1477/1478 - Venecia, 1510¹ ) fue un pintor italiano del Alto Renacimiento, representante destacado de la escuela veneciana, cuya carrera quedó interrumpida por su temprana muerte, con poco más de 30 años.

Giorgione es conocido por la poética calidad de su trabajo, aunque sólo seis cuadros se le atribuyen con certeza. Dejó también varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Esto, unido a la escasez de datos biográficos y las dudas que plantea el significado de algunas de sus pinturas, lo han convertido en uno de los pintores más misteriosos de la historia del arte europeo.

Junto con Tiziano, que era un poco más joven, y tras Giovanni Bellini, es el iniciador de la escuela veneciana dentro de la pintura renacentista, que logra gran parte de su efecto mediante el color y el ambiente, tradicionalmente opuesta a la preferencia por el dibujo de la pintura florentina.

VENUS DORMIDA

CORREGGIO

(Correggio, actual Italia, 1489-id., 1534) Pintor italiano. Nada se sabe acerca de la formación de este artista, conocido con el nombre de su pequeña ciudad natal, que fue uno de los pintores más atrevidos y originales de comienzos del siglo XVI y uno de los que ejercieron mayor influencia en la posterior pintura barroca.

Se especula con la posibilidad de que efectuara un viaje a Roma hacia 1518, pero Vasari afirma que nunca estuvo en dicha ciudad y que en realidad conoció la pintura de Rafael y Miguel Ángel, en la que sin duda se inspiró, a través de dibujos y grabados. Estos dos artistas fueron referentes básicos en la formación de su estilo, pero también bebió en Mantegna, del cual tomó la perspectiva ilusionista, y en Leonardo, de cuyo esfumado se sirvió para dotar a sus obras de una elegancia sentimental.

JUPITER E ÍO